Yves Torfs no fotografía el cuerpo masculino para idealizarlo. Lo fotografía para estudiar hacerlo, pacientemente, deliberadamente y sin interferencias. Sus imágenes no se basan en el impacto o el exceso. En cambio, permanecen en el espacio tranquilo entre la exposición y la moderación, donde los detalles más pequeños hacen el trabajo más pesado.
El artista visual belga ha creado un enfoque característico que elimina el artificio y lo reemplaza con intimidad. Sus retratos se sienten menos como actuaciones y más como momentos que se suponía que no debías interrumpir. Se permite que cada pliegue de la piel, cada tensión mantenida en un hombro o en la mandíbula, exista tal como es. No hay nada llamativo en el trabajo, y es exactamente por eso que aterriza.
Lo que más me atrae es lo naturales que se sienten sus imágenes. Torfs no persigue la perfección ni la exageración. Deja que el cuerpo se asiente en su propia verdad y luego lo encuentra allí.
Arraigados en el arte, atraídos por la reflexión
Torfs creció en un pequeño pueblo rural cerca de Amberes, rodeado de una creatividad que se inclinaba más hacia la tradición que hacia las tendencias. Un abuelo pintor. Un padre que dibujaba por placer. Una madre formada en diseño gráfico y fotografía. El arte no se presentaba como un espectáculo, formaba parte de la vida cotidiana.
Las cámaras entraron temprano en su mundo, tanto delante como detrás del objetivo. Su madre fotografiada constantemente. A su padre le encantaba el cine. Durante un tiempo, Torfs se imaginó dirigiendo películas, pero la fotografía ofrecía algo más inmediato: una línea directa hacia el autoexamen.
A los 18 años, se comprometió a realizar estudios formales de fotografía y artes visuales en Amberes. Lo que siguió no fue sólo un refinamiento técnico, sino un compromiso más profundo con la identidad, la percepción y el control, temas que siguen siendo centrales en su práctica.
Estructura como libertad
El trabajo de Torfs está profundamente marcado por su experiencia de vivir con un trastorno del espectro autista. En lugar de tratar esto como una limitación, construye su proceso creativo en torno a ello. Posiciones fijas de la cámara. Acciones repetidas. Secuencias controladas.
Esta repetición no es rígida, es fundamental.
Al volver a la misma configuración una y otra vez, Torfs crea un lenguaje visual que prioriza el enfoque. La consistencia permite que surjan diferencias sutiles: postura, presencia, tensión, vulnerabilidad. Cuando todo lo demás sigue igual, el elemento humano se vuelve imposible de ignorar.
Sus autorretratos, especialmente, se leen como conversaciones continuas consigo mismo. No son declaraciones. Son preguntas.
‘Projekt Y’ y el poder del ritual
Ese sentido del ritual es más claro en Proyecto Yla serie en curso de Torfs se centró en el cuerpo masculino a través de estudios de figuras y retratos. Cada sesión comienza de la misma manera: el modelo sentado en una silla de iglesia específica, posicionado bajo la misma luz, realizando la misma acción, mirando hacia la izquierda.
A partir de ahí, Torfs captura una segunda imagen centrada únicamente en el rostro, con la vista hacia adelante. Sólo después de establecer esas anclas la sesión se expande hacia detalles del cuerpo, composiciones de fotograma completo y referencias al arte clásico.
La silla no es decorativa. Introduce una tensión inevitable entre religión y lo queer, tradición y presencia. Lo que me fascina es cuán silenciosamente existe esa tensión, nunca se explica, sólo se siente.
Cuerpos, sin llamadas de casting
La diversidad en el trabajo de Torfs no se logra mediante una planificación rígida. Sucede porque mantiene la puerta abierta.
Modelos de diferentes edades, tamaños y formas entran en la serie de forma orgánica, a menudo extendiéndose por sí mismos. Esa voluntad importa. Significa que las personas frente a la lente no están siendo “utilizadas” para llenar un concepto: están eligiendo estar allí.
Hay algo refrescante en ese intercambio. Mantiene el trabajo humano, no transaccional.
Arte, censura y pérdida de contexto
Como muchos artistas que trabajan con desnudos, Torfs navega constantemente por las restricciones de las redes sociales. Si bien comprende la necesidad de moderación, las limitaciones a menudo aplanan su trabajo, despojando a las imágenes de su contexto e intención.
Las plataformas de formato corto exigen velocidad. Su trabajo exige tiempo.
Una imagen destinada a vivir dentro de una serie pierde peso cuando se aísla en un pergamino. Esa desconexión lo frustra y, sinceramente, también debería frustrar a los espectadores. Estas fotos no están destinadas a consumirse en segundos.
Entre el desnudo y el erotismo
Torfs no traza líneas estrictas entre la fotografía de desnudo artístico y la pornografía, y aprecio esa negativa. Ambos, sostiene, pueden componerse con cuidado e intención. La diferencia radica en lo que se enfatiza.
Su atención se centra en la forma, la luz y la sensualidad tranquila. La luz del día suaviza el cuerpo, haciéndolo sentir habitado en lugar de escenificado. Incluso cuando su trabajo roza el erotismo, nunca cae en exceso.
Sigue siendo observacional. Poético. Conectado a tierra.
lo que queda
La fotografía ha sacado a Torfs del aislamiento y ha iniciado la conversación. Cada rodaje se convierte en un diálogo, a veces verbal, a veces silencioso, entre el artista y el sujeto.
La primera fotografía desnuda que tomó fue un autorretrato en 2016. Estaba sentado en una silla. El escenario siguió siendo el mismo. El proyecto, en muchos sentidos, comenzó allí.
Lo que espera que los espectadores se lleven es simple: reflexión. Una comprensión ampliada de la belleza que incluye la variación en lugar de borrarla. En un panorama mediático obsesionado con ideales estrechos, especialmente dentro de espacios queer, el trabajo de Torfs retrocede silenciosamente.
Y en esa resistencia silenciosa es donde reside su poder.
Para ver la galería completa y explorar más historias como esta, Substack de Gayety lo tiene cubierto.
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